作為一位音樂教育與合唱指揮博士，我在科技大學從事音樂通識教育多年，始終思考著如何將專業音樂能力帶給非音樂科系的學生。我相信，每一堂課都可能是學生在大學的最後一堂課，因此，我時常想著：他們能夠帶走什麼？能夠影響他們一生的，會是什麼？

在這樣的情境設定下，每一堂課既是回顧的鏡頭，也是人生的起點。我將自己的教學理念命名為「從舞台走向課堂，從研究走入人群」，希望透過創造舞台給學生，提供他們自我表達和終身學習的歷程。

從專業音樂角度進入通識教育，中間會有矛盾或重疊，如何找到交會點是關鍵所在。正如前面學者提到，通識教育絕對不是專業課程的淺顯化或通俗化，而是如何深入淺出。

在科技大學，我面對的學生來自不同專業背景，雖然他們都應該接受過12年的音樂國教課程，但實際程度差異極大。有些學生從小學習音樂，有些則是完全的素人。不同學科背景也造成他們不同的思維模式和學習方式。因此，我的教學目標是促進理解、溝通與對話，促進學科整合，並希望他們未來在專業領域中能與音樂產生交會，或有所衍伸發展。

我相信音樂密碼是每個人都有權利理解的，它具有強大的療癒力量，可以提升生命意義。音樂是每個人都可以享受的權利，可以作為媒介和平台，帶領學生感受美感，尋求理性與感性的平衡，激發跨域思維，獲得個人實現。對於非主修學生，跨域對話與探索第二專長是我的主力；對於相關領域學生，則希望能強化其專業，厚實跨領域發展。

每學期開始，我會對學生進行詳細的背景調查，包括一一聽取他們的聲音，了解每個人的特質、音色、音準和能力。即使面對100多位學生，我也會花一整堂課時間完成這個過程。這樣做的目的是精準掌握學生的背景能力，才能準確選擇適合的教學內容。因為在16週的課程中（扣除第一堂課和最後回饋，實際只有14週），要完成一齣合唱劇場或音樂劇場是非常大的工程，需要精準掌握每個環節。

面對背景多元、音樂先備經驗偏少，但善於動手操作的科技體系學生，我採用20世紀美國當代音樂教育學者雷默（Bennett Reimer）的美感教育理論與奧福（Carl Orff）的實踐理念。Music是一個動詞，學生透過主動聆聽、主動演出、演唱、創作等方式學習。這種學習途徑是先有體驗，然後回到命名，再回到印證。與其告訴他們音樂史或音樂理論如何，不如讓他們親自實作。例如，在合唱和聲練習中，讓學生體驗soprano、alto、tenor、bass不同聲部的角色。在重疊的和聲中，每個人扮演的角色並非均衡的，需要有深淺層次來調出音色。在這個過程中，學生慢慢理解調性概念、和聲理論，從體驗中學會命名，再回到理論印證。

我也喜歡運用多感官方式帶領學生進行音樂實作。從動作化音樂開始，透過對音樂情緒的感知，引導學生連接音樂元素。例如，先讓學生回答感覺是明亮或陰暗的，再慢慢引導討論調性概念。我也讓學生進行聲音採集，拼貼製作自己的生命音樂故事，結合表演課程、肢體課程和多媒體創作，豐富學習體驗。

我在臺科大開設的音樂通識課程涵蓋了音樂文化、音樂劇場和活力合唱三大領域。音樂文化課程期待更多議題導向的討論與創作，讓學生掌握各種音樂風格和歷史脈絡。除了講授外，學生有很多時間進行個人數位創作，運用maker方式創作。課程包括藝術與其他領域的共感、臺灣音樂地圖、社會脈絡中的音樂等專題。

音樂劇場課程是一個綜合表演藝術的形式，外在是表演，內在可以述說個人生命，審視人我關係。我採用古希臘哲人的全人音樂教育思維，以及奧福完全劇場發展出的基礎音樂戲劇理論。活力合唱課程則強調多元性，我融入多元感官，但經典仍然重要。優質曲目是最重要的重點，因為其中包含我要給學生的涵養，包括音樂要素、聆聽能力、風格歷史脈絡的掌握等。

我希望建構學生的多元能力。音樂鑑賞解析能力不只是聽好聽或不好聽，要能分析原因、理解時代背景，和當代詮釋。透過運用多元文化曲目，拓寬國際視野，建立文化認同。表演技能與敘事能力的培養也很重要，現在孩子成長過程中與人群關係較疏離，需要學習與他人合作。合唱中你不可避免地必須要跟別人一起唱，這是很好的協作訓練。

跨界整合能力的培養可透過結合視覺、動作、科技互動等多元素實現。當我們將視覺呈現、動作表達與科技互動等不同領域的元素融合運用時，便形成了跨域整合的實踐。

在舞動合唱中，我考量如何放大或輔助音樂展現，而非為了動作而動作。我會考慮聲部分佈、風格與曲式結構的關聯性，引用拉邦動作分析（Laban Movement Analysis）的五大要素進行結合。例如，將Jingle Bells（《聖誕鈴聲》）與Nutcracker（《胡桃鉗》）結合，創造出有趣的舞動合唱作品。這不僅訓練學生的音樂能力，也培養他們的創造力和表達能力。

合唱劇場必須有故事架構，我教導學生如何產生故事的DNA，從主角如何遇到阻力與助力，最後回到平衡點。這樣的邏輯幫助學生理解戲劇結構，也培養敘事能力。

從2012年開始，我開始製作音樂劇場，第一部是《悲慘世界》的臺灣演義。我們使用原曲，但重新改寫故事，投射在臺灣1970、80年代經濟起飛時期，讓學生在熟悉的時代背景中發揮專長。後來的作品包括《瘋老媽子》（改編自《媽媽咪亞》）、《畫裡畫外》（使用《歌劇魅影》選曲）等，都是在臺灣情境下重新詮釋經典音樂劇。

在《畫裡畫外》中，我們將故事設定在美術館，學生需要研究如何將畫作中的人物活化，萃取元素，創造人物。這種跨域結合讓學生深入思考藝術作品的內涵。透過不同作品，我們探討生命議題、性別翻轉等當代重要主題。例如，改編《美女與野獸》探討落日情歌，思考生命意義；在《西城故事》中討論醫生與死神的拉扯，探討生死課題。

我邀請不同文化背景的藝術家到課堂，例如西藏的馬楊金老師，讓學生體驗多元文化。我們也參加快閃公益活動，將課堂學習延伸到社會服務。這些活動都體現了音樂教育不僅是技能傳授，更是文化理解和社會關懷的培養。

我們透過製作不同的經典作品，將創作延伸至MV製作與舞蹈合唱表演。這種多感官學習模式整合了音樂、動作、視覺等多重元素。以《布蘭詩歌》的演出為例：舞台上有98位學生參與合唱，我同時在課後指導管樂團練習，最終將所有演出單位整合呈現。學生們還自製MV並投影於舞台兩側，現場形成了管樂演奏、指揮引導、合唱團演唱的完整音樂劇場。這樣的大型製作不僅提升學生的音樂專業技能，更重要的是培養了他們跨領域協作與統籌規劃的能力。

在敘事能力的培養方面，觀察力是重要的基礎。我透過設計小型暖身活動，引導學生學習感受與觀察周遭環境。課堂中著重簡報技巧的訓練，讓學生運用文字、影像、音樂、肢體等多元形式來表達想法。此外，我也帶領學生參與策展實務，在實作中學習規劃與組織。當然，演奏與演唱的核心技能仍是不可或缺的訓練重點。

透過音樂實作，學生能對複雜多樣的生命課題進行感性的主觀表達，藉由參與和付諸行動（包括到安養院服務），探索自己的表達能力和敘述能力。在歌唱中與世界接軌，尊重各種文化；在與劇場融合時激發創作潛能，培養多元思考和統整能力。這正是全人教育的體現。

每一次的教學都是新的嘗試，每一屆學生都帶來不同的挑戰和驚喜。透過音樂這個共通語言，我們不僅傳遞知識技能，更重要的是培養學生的人文素養、創造能力和社會關懷。

我將自己的教學歷程稱為「未完成的樂章」，因為教育是一個持續的過程，需要在每一屆學生身上繼續譜寫，在每一次的教學互動中持續成長。我希望能延續這樣的熱情，累積更多教育成長的共鳴。

音樂教育在通識教育中的價值，不僅在於培養學生的藝術涵養，更在於透過音樂這個媒介，培養學生的感性能力、創造思維、合作精神，和跨域整合的能力。在科技主導的時代，我們更需要音樂這樣的人文藝術來平衡學生的身心發展。

每一堂課都是一個舞台，每一個學生都是主角。我希望透過音樂，讓學生在大學的最後一堂課中，帶走的不只是知識，更是一種面對生命的態度和能力。這就是教育最美好的地方——它永遠在路上，永遠充滿可能。